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La Galería de los Ufficci es la pinacoteca más importante de Italia, en la que podemos encontrar obras de grandes maestros como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Sandro Botticelli, Caravaggio y Artemisa Gentileschi, entre otros. El lugar donde se encuentra fue anteriormente un palacio construido en el año 1560 por orden de Cosme I de Médici, con el fin de reubicar las oficinas de las magistraturas de Florencia, conocidas como los Uffizi. El museo abrió sus puertas al público en 1765, siendo la colección tan extensa que algunas obras fueron trasladadas a otros museos de Florencia. Fue reconstruido y ampliado en parte, tras un atentado en 1993.

He seleccionado y tratado de resumir seis de las obras que más me han impresionado al visitar el museo, así como unos bocetos recién restaurados de Leonardo Da Vinci sobre su obra «La Adoración de los Magos» que dejó inacabada.

La Adoración de los Magos de Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci. La Adoración de los Magos. 1481-1482. Dibujo a carboncillo. acuarela y óleo sobre tabla. 244 cm x 240 cm- Galería de los Uffizi- Florencia. En el verano de 1482, Leonardo se fue a Milán y la dejó sin terminar. Aún hoy, la pintura debe su belleza y su encanto a la condición de estado incompleto, además de a la composición revolucionaria de la clásica escena hecha por Leonardo. En 2011 se llevó a cabo una importante restauración que duró unos cinco años y suscitó la duda de que Leonardo la consideró inacabada o no.

En el siglo XV el tema de la adoración de los Magos era muy extendido entre los artistas florentinos. Leonardo asumió la lección de Botticelli, que había representado la escena con una nueva composición.

Él también coloca la Sagrada Familia en el centro, y representa la procesión que gira en semicírculo alrededor de la Virgen. Detrás de ella un espacio sino personajes, que representa la propagación del aura divina. Lo que podemos admirar en los Uffizi es un boceto monocromo, que nos revela mucho sobre la técnica artística de Leonardo. A pesar de ser una obra realizada cuando Leonardo no había cumplido aún los 30 años, el dibujo estaba muy definido y se constata que era buen conocedor de la anatomía humana, siempre teniendo en cuenta la búsqueda incesante por investigar y crear la ilusión de profundidad que le caracterizó. El dibujo era su punto de partida, y lo realizaba con mucho cuidado. Sin embargo, las líneas de los contornos no eran claras, en preparación de su famoso esfumado. ^{https://www.virtualuffizi.com/es/la-adoraci%C3%B3n-de-los-magos-de-leonardo%2C-una-obra-maestra-}_{^{particular.html}https://arsmagazine.com/la-adoracion-de-los-magos-de-leonardo-restaurada-se-exhibe-en-florencia/}

Retrato de los Duques de Urbino, de Piero della Francesca

El Retrato de los Duques de Urbino es un díptico pintado al temple, entre 1465 y 1472 que refleja las figuras de Federico da Montefeltro y de su esposa Battista Sforza. Unos mecenas que hicieron del pequeño ducado de Urbino un referente cultural en toda Italia. El país todavía era un conjunto de ciudades-estado y todas competían en lo militar, lo diplomático y lo cultural. Federico tenía bajo su protección al talentoso Piero della Francesca, que retrató al condottiere y a su segunda esposa en uno de los dípticos más famosos de la historia del arte.

Poner a alguien de perfil, como pasa en las monedas, era símbolo de poder, pero Federico quiso además que el pintor lo retratara por “su lado bueno”. Si viésemos el otro perfil, comprobaríamos como el duque de Urbino, debido a sucesivas peleas, torneos y batallas, había perdido un ojo y contaba con una tremenda cicatriz que le deformaba el rostro. Su esposa, Battista Sforza, tiene la frente depilada según moda de la época. Se cree que es un retrato póstumo, ya que se sabe que había muerto poco antes, a los 26 años. La imagen del duque y de su esposa es realista, pero muy idealizada en la pose fija y en la mirada no orientada hacia nada en particular.
Son la representación cortesana y ceremonial de dos personajes que quieren mostrarse según los cánones clásicos, es decir, intemporales. Las dos figuras se destacan sobre un fondo paisajístico que da a los retratos sensación increíble profundidad. La perspectiva era uno de los puntos fuertes del pintor. El díptico es un ejemplo característico del arte renacentista:

_{http://curiocity.travel/es/obras-arte/florencia/retrato-doble-de-los-duques-de-urbino/}

El nacimiento de la Primavera de Sandro Boticelli

La obra representa una escena mitológica en la que Venus, con la ayuda del dios del viento Céfiro, y de la diosa de la brisa Aura, llega hacia la orilla de la isla. Este cuadro fue en su tiempo una obra revolucionaria al presentar sin tapujos un desnudo no justificado por ningún componente religioso, así como un tema mitológico procedente de la cultura clásica grecorromana anterior al cristianismo. Se vincula con la Academia Platónica Florentina, un círculo intelectual patrocinado por la familia Médici que se desarrolló en el terreno de la filosofía, la literatura y el arte. El significado de la obra está relacionado pues con el neoplatonísmo y un concepto idealizado del amor. La figura de Venus se desdobla en dos versiones complementarias: la Venus celeste y la Venus terrenal, que simbolizan el amor espiritual y el amor material

Esta obra estaba dedicada a glosar el amor imposible que profesaba el noble Giuliano de Médici por la bella Simonetta Vespucci, quien fue la modelo para la figura de Venus.

Baco, de Caravaggio

Esta tranquila obra de Caravaggio no tiene una datación segura. Se la sitúa entre 1596 y 1598. Barroco Oleo sobre lienzo. En ella el artista representa al dios del vino romano, Baco, como un afeminado joven que se encuentra reclinado y cubierto con la misma sábana con la que cubre el lecho en el que descansa, mientras nos ofrece una copa de vino. Caravaggio utilizaba un complejo sistema de espejos para retratar sobre sus lienzos, como una primitiva técnica fotográfica.

Caravaggio le proporcionó un gran realismo a la fruta, a la jarra del vino, a la piel del protagonista e incluso a las telas. Cabe destacar las ondas de la copa de vino

. Desde el principio de su estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa. Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta.
La fruta y la jarra han llamado más la atención de los expertos que el propio Baco. La fruta, porque la mayor parte de las piezas son incomestibles, lo que, según los críticos más serios, simboliza la fugacidad de las cosas mundanas. La jarra, porque después de limpiarse la pintura, apareció en el vidrio un pequeño retrato del artista trabajando en su caballete.

^{https://www.lacamaradelarte.com/2016/07/baco.html}

La Anunciación, de Leonardo da Vinci datada en el año 1472

Representa cuando Dios envió al ángel Gabriel a anunciarle a la Virgen María que estaba embarazada de un varón, hijo de Dios.

es una de las obras que más controversia ha generado en los últimos años, ya que en el pasado se la atribuía a Doménico Ghirlandaio. Pero esto duró

poco, porque pronto se observaron en ella ciertos matices característicos de Leonardo da Vinci.

Aunque esta pintura es de su juventud, en ella podemos apreciar cómo comienza a aparecer su famoso sfumato Asimismo, vemos el juego de de luces y sombras y la composición estática. Da la sensación de que el tiempo se detiene en ese instante.

Un curioso error de perspectiva, muestra un brazo desproporcionado en la figura de la Virgen con relación al resto del cuerpo, un error que no aparece en su otra versión del cuadro, que se encuentra en el Louvre.

Virgen del Jilguero, de Rafael

Oleo sobre tabla, pintado en la primera etapa florentina. está datada hacia 1506. La obra muestra a la Virgen María junto a su hijo Jesús y San Juan, ofreciéndole éste el jilguero, en el que en la obra simboliza a Cristo y su futura muerte. El tema de la Virgen con el Niño fue frecuente en la pintura italiana y todo la obra muestra equilibrio y serenidad. En el Cinquecento , el centro artístico es Roma y es el momento de los genios: Leonardo, Miguel Ángel y el propio Rafael

La pintura de Rafael Sanzio -a pesar de haber tenido una vida muy corta -murió a los 37 años-, se caracteriza por equilibrio, orden y armonía, contribuyendo con posterioridad a la creación de academias oficiales en diversos países, que encontrarían en la pintura de Rafael el modelo perfecto hacia el que habían de encaminarse. La pintura de Rafael, es pintura academicista.

Aunque este cuadro famoso, simbolice algo terrible como lo es la muerte futura del niño Jesús, se puede percibir cierta delicadeza, transmitida por la manera de tratar el color y las líneas de los rostros. A su vez, se percibe cierta influencia de Leonardo.
La profundidad se logra con gama de colores fríos en el paisaje y con un sfumato herencias de Leonardo

El ritmo se establece mediante juego de las miradas : de María a Juan y de este a Jesús.

Desafortunadamente, en el siglo XVI, debido a un terremoto que dañó el lugar en el que se encontraba, se fragmentó en varios puntos. Se fue restaurando a lo largo de los siglos, pero no fue hasta hace unos pocos años que se completó la restauración.

_{https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_541.html}

«La Primavera» de Sandro Boticelli

«El amor es un círculo bueno que gira eternamente de bien a bien». Y que se reinicia cada primavera»

«La excepcional belleza espiritual de las figuras que componen la escena de La Primavera tal vez sea la expresión más completa del estilo de Botticelli, y es al mismo tiempo la interpretación más aguda del clima refinado del círculo neoplatónico florentino.»»

La luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios cuerpos. Para entenderla hay que adentrarse en el mundo de misterio, poesía, paganismo e intelectualidad que presidía la época de los Medici. Botticelli pintó una obra extremadamente sofisticada, destinada al disfrute de los sentidos pero, sobre todo, al goce intelectual. En el Renacimiento, Los cuadros cuentan historias y especialmente en el círculo de los humanistas florentinos, había auténtica devoción por Ovidio.

En el maravilloso jardín que Botticelli imaginó y plasmó, pintó más de 200 especies de flores perfectamente reconocibles. «Primavera» y «El nacimiento de Venus», a menudo, se estudian y analizan juntas y es que existen relaciones y paralelismos evidentes entre las dos pinturas. Este cuadro está considerado una de las obras maestras de Boticelli.

_{https://rutacultural.com/la-primavera-botticellihttps://es.wikipedia.org/wiki/La_primavera_(Botticelli)s}

Artemisia Gentileschi

«Mostraré a Vuestra Señoría Ilustrísima lo que sabe hacer una mujer», _{^{escribía Artemisia Gentileschi en 1649 a uno de sus clientes, Antonio Ruffo, anunciándole el pronto envío de un cuadro.}}

, Pintora barroca de la corriente del caravaggismo, nació en Roma el 8 de julio de 1593. Su padre era el pintor Orazio di Ottaviano Montoni. Quedó huérfana de madre a una edad temprana y comenzó a acompañar a su padre al estudio: los pinceles, los lienzos y los colores se convierten en su mayor pasión. A pesar de que se le prohibía salir de casa, su obra es un claro ejemplo de mujer que luchó por ser dueña de su voluntad la justicia y su destino, en pleno siglo XVII

***Fue la primera mujer admitida en la Academia de Diseño en Florencia, donde la pintora dio a conocer su talento.

***. Un invitado habitual en casa de su padre, era Agostino Tassi, un artista de la época conocido como «lo smargiasso» (el fanfarrón). Un día Tassi aprovechó la ausencia de su amigo y violó a Artemisia. A raíz de esto, el padre de Artemisia decidió presentar una denuncia que se convirtió en un largo y doloroso proceso judicial. Antes del veredicto contra Tassi ( un año de prisión ) pasaron siete meses de interrogatorios y hasta tortura, sin que nadie la creyera. Posteriormente, fue forzada a casarse con el pintor toscano Pierantonio Stiattesi y aprovechó la oportunidad para mudarse a Florencia

***En este época pintó otra escena bíblica: «Judith decapitando a Holofernes» su obra mas famosa. (1612 – 1613). Plasma el momento en el que la viuda Judith, ayudada por su fiel doncella, decapita al general asirio que se había encaprichado con ella, aprovechando que está borracho y se ha quedado dormido. El tema sorprende por el crudo tratamiento de la imagen, el hábil manejo del claroscuro (contraste de luces y sombras) y su dramática interpretación . Pintando a mujeres fuertes y maduras, se diferencia del resto de los pintores de su época.

Si comparamos la Judith y Holofernes de Caravaggio y la de Gentileschi podremos apreciar que la Judith de Caravaggio tiene una mirada asustada, como si la mujer no estuviera cortando la garganta de Holofernes por voluntad propia, sino que se viera forzada por una fuerza exterior. La Judith de Artemisia, en cambio, perpetra el asesinato de manera consciente: sus ojos no huyen, es fuerte, decidida y consciente de su acto.

^{(a la izquierda la Judith de Gentilischi, a la derecha la de Caravaggio)}

***Su primer lienzo fue «Susanna e i Vecchioni «con tan sólo 17 años.

***En el período florentino, que duró sólo hasta 1620, la pintora hizo importantes amistades, entre ellas Galileo Galilei. Negociaba ella misma el precio de venta de sus obras con coleccionistas privados de renombre —como los Médicis o el duque de Módena—, viajaba sola por toda Europa e incluso dirigía un taller de pintura en Nápoles donde trabajaban exclusivamente, hombres.

***Sólo en la segunda mitad del siglo XX su arte comenzó a ser de nuevo apreciado por algunos críticos y su nombre, desenterrado a raíz del movimiento feminista de los 70 que la convierte en un símbolo de la lucha de género. Sin embargo, no parece justo que su historia privada prevalezca sobre su trayectoria artística, eclipsando un trabajo cuya calidad se puede comparar con la del mismísimo Caravaggio.

París, Barcelona, y actualmente la National Gallery de Londres recogen una muestra unitaria de sus obras hasta enero de 2021, rindiéndole justo homenaje. Podríamos decir que, en nuestros días, más de cuatro siglos después, atraviesa su mejor momento, o por lo menos el más mediático.

***Su libertad y su modernidad la convirtieron en un personaje excepcional para la época. «Los compradores de arte, conscientes de ello, solían encargarle temas que representaban heroínas del pasado [como Catalina, Diana o Cleopatra]. Querían tener un cuadro de mujer fuerte pintado por otra mujer fuerte”.

Al final de su vida, pese a las penurias económicas y toda suerte de sinsabores, la gran pintora romana conservaba intacto el orgullo y la energía que le permitieron superar los abusos que sufrió en su juventud y hacerse un nombre en el competitivo mundo artístico de la Italia barroca.

_{^{tps://www.barnebys.es/blog/5-curiosidades-de-la-primera-pintorahttps://historia.nationalgeographic.com.es/a/artemisia-gentileschi-lucha-pintora-herida_13898,.https://www.barnebys.es/blog/5-curiosidades-de-la-primera-pintorahttps://www.bbc.com/mundo/noticias-38391897.-https://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschihttps://www.emol.com/especiales/aprendiendo_a_mirar/judith_decapitando.html}}

Galería de marzo

Primavera

La Galería de este mes la he titulado «Primavera», aunque bien podría ser «niños y flores». Las restricciones se van disolviendo, los días se alargan, florecen los almendros, las magnolias, las calas… los jardines comienzan a sentir de nuevo el aroma del jazmín y el sol brilla con mas fuerza. Y los niños…la emoción de captar una sonrisa, una inquietud una mirada…Os dejo mi pequeña aportación a este milagro de la vida.