El museo del Louvre

Inaugurado a finales del siglo XVIII, el Museo del Louvre es el museo más importante de Francia se encuentra alojado en el Palacio del Louvre, una fortaleza del siglo XII , ampliada y reformada en diversas ocasiones. Antes de que se convirtiera en museo, algunos monarcas como Carlos V y Felipe II utilizaron el palacio como residencia real en la que acumulaban sus colecciones artísticas. Tras el traslado de la residencia real al Palacio de Versalles.

El impresionante edificio de 160.000 metros cuadrados se convertiría en uno de los museos más importantes del mundo.

En 1989 se construyó una pirámide de cristal  que en la actualidad sirve como puerta de acceso. La colección del Louvre comprende cerca de 300.000 obras anteriores a 1948, de las que se exponen aproximadamente 35.000.  está organizada de forma temática en diferentes departamentos: antigüedades orientales, antigüedades egipcias, antigüedades griegas, romanas y etruscas, historia del Louvre y el Louvre medieval, pintura, escultura, objetos de arte, artes gráficas y arte del Islam

Entre las pinturas más importantes del museo merece la pena destacar las siguientes:

• La Gioconda de Leonardo da Vinci.
• La Libertad Guiando al Pueblo de Delacroix.
• Las Bodas de Caná de Veronés.

Entre las esculturas las obras más sobresalientes son:

• La Venus de Milo de la Antigua Grecia.
• El escriba sentado del Antiguo Egipto.
• La Victoria Alada de Samotracia del periodo Helenístico de la Antigua Grecia.

youtu.be/xJxH-QuJeXo (enlace de visita virtual)

-Como es imposible hacer una reseña de tal cantidad de obras, solo voy a recordar una pintura y algunas esculturas.-

La Gioconda de Leonardo da Vinci

Fecha: hacia  1503- Técnica: Óleo sobre tabla   Formato: 77 x 53 cm. 

Leonardo pinta a la modelo sentada   en escorzo lateral y cabeza levemente  girada  y el brazo izquierdo que descansa sobre el de la silla, en sentido contrario a la cabeza. Aparece sin cejas posiblemente por una errónea restauración , lo que la hace más enigmática .

 Durante muchos años se ha especulado sobre su identidad, desde una amante de Giuliano de Médicis hasta que es el propio Leonardo, si bien la mayoría de expertos piensan que se trata de un retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco Giocondo un comerciante de Florencia.

Leonardo da Vinci pasó los tres últimos años de su vida en el castillo de Clos Lucé muy cerca de la residencia real de Amboise. Cuando entró al servicio de Francisco I de Francia llevó con él el retrato de la Mona Lisa, que fue adquirido por el monarca francés en 1518, pasando a formar parte de las colecciones reales francesas. Aunque la pintó por encargo, Leonardo nunca se desprendió de su Gioconda.

Leonardo, usó la innovadora técnica del sfumato para pintar el famoso retrato. La expectación, pero también las incógnitas han acompañado a este cuadro único desde su creación. La fama que poseía el retrato ya en el siglo XVI no es casual. La calidad de la obra radicaba, en palabras de Vasari, en su verismo, en su proximidad a la realidad y en su carácter mimético. «Por encargo de Francesco del Giocondo, Leonardo emprendió el retrato de Mona Lisa, su mujer […]. Mona Lisa era muy hermosa; mientras la retrataba, tenía gente cantando o tocando, y bufones que la hacían estar alegre, para rehuir esa melancolía que se suele dar en la pintura de retratos. Tenía un gesto tan agradable que resultaba, al verlo, algo más divino que humano, y se consideraba una obra maravillosa por no ser distinta a la realidad». El paisaje en el que se sitúa la figura  es muy importante tanto por el hecho de conseguir la profundidad como  por resaltar lo enigmático de su sonrisa .   

Realizada en 1794 y de mármol blanco, esta escultura neoclasicista, representa la historia amorosa de Psique y Cupido de La Metamorfosis de Apuleyo. Ofrece una imagen al mismo tiempo idealizada y humana del amor. Está dotada de fluidez, dulzura y naturalidad . Es una proeza en términos técnicos y denota un profundo conocimiento por parte del artista de las capacidades expresivas del cuerpo humano. Tuve la fortuna de captar estas fotografías, cuando el sol que entraba por una ventana proyectaba un rayo de luz sobre sus caras y cuerpos de una forma que me pareció mágica e irrepetible.

Antonio Canova: Nacido en Possagno-Venecia, en 1757, fue considerado el máximo exponente de la escultura neoclásica europea. El nombre de Canova se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal. No tuvo discípulos directos, pero influyó en la escultura de toda Europa en su generación y como una referencia durante todo el siglo XIX.

El Los Esclavos de Miguel Angel

(El Esclavo rebelde y el Esclavo moribundo)

La idea de los dos «esclavos» del Louvre surge para el segundo proyecto de la tumba de Julio II, un mausoleo monumental en el que Miguel Ángel se puso a trabajar inmediatamente. Son las dos primera obras que irían colocados en la parte inferior del monumento. En 1632 las figuras fueron regaladas al Cardenal Richeliu  llevándolas a su  castillo de Poitou, donde Bernini pudo realizar algunos dibujos.

El Esclavo rebelde, «es una figura tosca cuyo cuerpo entero parece estar en medio en una lucha violenta». Está representado mientras trata de liberarse, retorciéndose, de las cuerdas con las que le han atado las manos. La sensación que debía transmitir era la de conferir mayor tridimensionalidad a la obra, acercándose sugestivamente hacia el espectador.

El significado iconológico de las dos estatuas se relaciona probablemente con el motivo de los Cautivos en el arte romano, de hecho Vasari los identificó como personificaciones de las provincias controladas por Julio II. El Esclavo rebelde en particular podría representar las escultura o la arquitectura, pero se trata de conjeturas. Otras lecturas propuestas son más de tipo filosófico-simbólico y están ligadas a la vida personal del artista y sus «tormentos».

Desde el punto de vista estilístico, los esclavos recuerdan las estatuaria antigua, en particular helenística, como el grupo del Laocoonte, descubierto en 1506 en presencia del propio MIguel Ángel y que causó gran impresión en él.

el Esclavo moribundo representa un hombre “magníficamente joven y guapo, y aparentemente en un profundo (y quizás eterno) sueño”. En este caso ha elegido para su representación el momento en el que la vida escapa del personaje y el cuerpo es entregado a las leyes de la materia inerte, como el propio mármol donde esculpe la figura. Es un instante de distensión total del cuerpo y de descanso de la lucha por la vida, en definitiva, un momento de laxitud y resignación .

Miguel Ángel respetaba de forma escrupulosa la materia del bloque de mármol en el que trabajaba. Por mucho movimiento, torsiones y tensiones que imprima a sus figuras, siempre se trata de un movimiento que vuelve sobre sí mismo, nunca ese movimiento traspasa los límites ideales del bloque de mármol.

Cuando se contempla esta obra la impresión es de qué se mueve, lo cual era uno de los propósitos con los que la concibió Miguel Ángel. Y es que uno de sus grandes logros como escultor es que cuanto más agita y contorsiona a sus figuras. más firmes y sólidas consigue crearlas

«La Victoria Alada de Samotracia»

se atribuye al escultor Pithókitos. Datada en el siglo II a. C., pertenece a la Escuela de Rodas dentro del periodo helenístico.   

se elaboró en mármol blanco hacia el 190 a.C.  Tiene una altura de 2,75 m. y fue descubierta en el año 1863 en Samotracia-Grecia-. Representa a Nike, la diosa griega de la victoria.

La estatua era una de las muchas piezas de mármol que adornaban el Santuario de los Grandes Dioses, un antiguo complejo de templos en la isla de Samotracia.

Para sugerir un cuerpo en movimiento, el artista colocó a Nike en una postura asimétrica. Conocido como contrapposto (“contraposición”), esta postura implica movimiento mediante el uso de una distribución realista del peso y un cuerpo en forma de “S”. Otras esculturas famosas en las que se utilizó este enfoque clásico para retratar el cuerpo humano son El Caminante, de Rodin y el David de Miguel Ángel. Las esculturas  este período se caracterizan  por ejemplo: en la ruptura radical con la serenidad y el equilibrio clásicos ,adquisición de mayor dinamismo y movimiento

Otro elemento que ayuda a sugerir movimiento es la tela ondulante que cubre el cuerpo de la figura. Hoy en día, la Victoria alada de Samotracia sigue siendo una de las esculturas más célebres del mundo. Desde su debut en el Louvre en el siglo XIX, ha inspirado a innumerables artistas. El surrealista Salvador Dalí se apropió directamente de esta escultura para su Doble Nike de Samotracia (1973), y el futurista Umberto Boccioni empleó la postura icónica de la figura para sus  «Formas únicas de continuidad en el espacio (1913).